Periodo barroco

El Barroco:

La palabra “Barroco” fue utilizada por primera vez en la arquitectura; significa “perla irregular”. Fue todo un movimiento artístico en todos los campos. Queda comprendido entre el Renacimiento y el Pre-clasicismo. Aproximadamente entre los siglos XVII y XVIII en Europa occidental. Este movimiento llega en barco a América años más tarde, donde se va a denominar Barroco Latinoamericano, comparte los conceptos, sin embargo al mezclarse con los ritmos autóctonos se genera toda una corriente más rica armónica y melódicamente.

Como antecedente religioso, en Europa durante el siglo XVI, la Iglesia Católica cayó en una enorme corrupción eclesiástica, falta de piedad religiosa y una desaforada búsqueda de poder en toda Europa, el genocidio en América, entre otras. Sin embargo hubo un hecho en particular que escandalizó a toda Europa y fue la “venta de indulgencias” para patrocinar la construcción de la Basílica de San Pedro en Roma, la meca del catolicismo. Esto provocó que Europa quedara dividida, por un lado la Iglesia Católica Romana, que se reivindicó a si misma mediante el Concilio de Trento en donde se declaró como la única heredera válida de la cristiandad y por otro varias comunidades cristianas autónomas. Ante este hecho surge un movimiento en Alemania denominado “Reforma Protestante”, el cual fue apoyado por los príncipes, la burguesía y los monarcas que protestaban contra alguna decisión de su emperador. Este propone que la Iglesia vuelva a los principios básicos que se predicaban en las Sagradas Escrituras. A la cabeza de esta reforma están Martín Lutero y Juan Calvino.

Ante esto la iglesia católica tuvo que reaccionar contra estos movimientos. Lanza una contrarreforma, por lo tanto el arte barroco sirvió para dar al Papado un realce imponente de las imágenes religiosas.

En general en las artes, en el Barroco se respetaba el simbolismo de la terna (el 3). Por ejemplo, en muchas de las pinturas barrocas de dibuja un triángulo, o esta forma triangular ya que es una figura geométrica que da estabilidad, donde es sólido en la base y liviano en la punta. También se puede relacionar con la formación de la clase social, partiendo de que en la base esta el pueblo y en la punta solamente un líder. Otro simbolismo es la sagrada familia (Jose, María y el Niño) o El Padre, El Hijo y el Espíritu Santo.

El siguiente ejemplo para el caso de la arquitectura:




En la pintura podemos ver por ejemplo la tendencia a estar muy cargado abajo y liviano hacia arriba, predomina la figura sobre el fondo, distinto a un cuadro impresionista, por ejemplo. A continuación la muy famosa pintura de Da Vinci La Gioconda, donde puede observarse las líneas que forma con la posición de sus brazos que coinciden perfectamente con otros puntos en su cara, como la nariz:




O en la "última cena" del mismo autor, donde el triángulo nos revela un vértice que está por sobre las personas.... sera Dios??




La figura ternaria socialmente es muy importante ya que representa el equilibrio. Representa a la sociedad, la jerarquía, la pirámide... Se puede decir que es la figura geométrica equilibradora por excelencia.

Esta regla se respetó también en las demás artes. En la música se da, por ejemplo en la estructura de los movimientos de un concierto, o en la métrica que puede ser binaria o ternaria.

Ya propiamente en lo que es el Barroco musical se puede decir que es un movimiento muy ornamentado. Inicia con la composición de la primera ópera, en Italia, y finaliza con la muerte de Bach.

Tiene como novedad el uso del bajo continuo y el imponente desarrollo de la música tonal. El bajo continuo lo hacía un instrumento de tesitura grave, generalmente una viola da gamba, un cello, un clavicémbalo o un fagot. El bajo continuo tenía la función de marcar los pulsos, a su vez era el que daba la nota fundamental del acorde que en ese momento estaba sonando, ya fuera sobre la tónica o en algún tipo de inversión.

Estéticamente hay una permanencia de lo emocional sobre lo racional, pero con una búsqueda racional para llegar a lo emocional, contrario al Romanticismo. En el barroco predomina el sentimiento científico, desde épocas posteriores, donde Platón se da cuenta de los efectos que produce la música en el ser humano, se empieza a teorizar cuales melodías hacen fluir que sentimientos, de ahí que surgieron los modos griegos, los cantos gregorianos... pero no es hasta el Barroco que empiezan a tomarse el asunto en serio y formalizan las leyes de la armonía donde dice qué acordes son consonantes y cuales disonantes.

Se va a dar una búsqueda por los sentimientos, lo cual se desarrolla con la “teoría de los afectos”, esta dice que la música es capaz de crear sentimientos y emociones en quien la escucha, que penetra al alma. Un ejemplo claro de esto pasa mucho en el canto, donde el carácter musical va ligado al sentimiento del texto; si por ejemplo el texto es un poema de amor, entonces la música va a tener un carácter romántico.

Otra técnica que surge en este momento es “ley de contraste”, asi como su nombre lo indica, habla de los contrastes en la música, tanto rítmicos para lograr variedad, de carácter (lento versus rápido) con el fin de que haya tensión o relajamiento, de intensidad (forte, piano) lo que generaba sorpresa, de cantidad (tutti orquestal versus soli) la cual trata de crear contrastes de fondo. Otra variable contrastante es la improvisación, si en la misma frase melódica aparece el mismo tema, a esto se le llama un eco melódico, por lo tanto la primera vez se toca tal cual está escrito y la segunda vez se toca más piano, le hace un adorno improvisado, o se le cambia el fraseo, etc.

Paralelamente a esta búsqueda emocional por medio de lo racional, empiezan a evolucionar los instrumentos musicales, dando mayor sonoridad y posibilidad de registro, es así como también intentan evolucionar los músicos y se busca el desarrollo y la perfección técnica. Se crean estudios técnicos, Bach por ejemplo desarrolla “El Clave bien temperado”.

Y es quizás el logro máximo de la racionalización la invención del Contrapunto... que quiere decir Punto contra punto. De ahí que surge el canon y más tarde la fuga, cuyo representante mas destacado fue Bach


La música instrumental barroca:


El barroco utiliza mucho la llamada “música de cámara”. La cual era hecha para ser tocada en una recámara, como por ejemplo para el deleite del rey o en una iglesia. Se acostumbra a los dúos, tríos y cuartetos. La orquesta era pequeña. Se conformaba por cuerdas (violín I, violín II, viola, cello), por un cémbalo o un órgano y por un fagot.
En este periodo hubo un enorme auge en la música académica. Para los intérpretes tanto vocales como instrumentales surge la necesidad de desarrollar la técnica, por lo tanto empieza a darse el virtuosismo, la velocidad en los dedos, la expresión musical, la amplitud de registro, etc. Todo para lograr diversas sensaciones en el público.

Suite:

Son varias danzas unidas en una misma obra. Mantenía la misma tonalidad entre cada danza o su relativa menor. La suite era pensada para se bailada y también que el baile fuera variado, por eso los movimientos alternaban el caracter. En los distintos países de Europa se le conoció con distintos nombres: En Italia como SONATA, en Francia como ORDRE, y en Alemania como PARTITA.

Nombre de los movimientos mas comunes en una Suite:

Allemande alemana(danza cortesana para una línea de parejas)
Courante francesa (danza viva)
Zarabanda española(danza pausada de origen español)
Giga inglesa (danza rápida y llena de vida), siempre cierra la suite barroca.

Otros movimientos menos comunes (lo que no quiere decir que no fueran muy utilizados)

Obertura o más comunmente un Preludio, con el que se da comienzo y unidad a la suite.
Rondó (Rondeau)
Bourrée
Gavota (Gavotte)
Pavana
Gallarda
Minueto
Forlane
Passepied, pasapiés
Siciliana
Chacone
Musette
Hornpipe
Air



Concerto a solo:

Es un concierto hecho para solista y orquesta. Llega a su máximo esplendor con Antonio Vivaldi, llamado “el cura rojo” por el color de su pelo.

Concerto Grosso:

Traducido como concierto Grande... Donde participa toda la orquesta. En la música de cámara cada parte la tocaba un único instrumento, las partes las van a tocar varios instrumentos, por ejemplo la parte de violin va a ser tocada por todos los violinistas de la orquesta.

Sonata, Cantata y Toccata

La sonata barroca, distita a la forma sonata usada el el Romanticismo es compuesta para uno o dos instrumentos de cuerda o viento y bajo continuo, dividida en tres o cuatro movimientos de carácter contrastante (teoría de los contrastes), habitualmente allegro-adagio-allegro (sonata da camera) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa o sonata de iglesia). La alternativa contrastante de movimientos sucesivos es herencia de la suite o serie de movimientos de danza, que habitualmente alternaban una danza baja o de paso, más lenta —como la pavana— con otra alta o de salto, más rápida —como la gallarda.

De un modo equivalente a la sonata, la cantata es una composición para canto solista y bajo continuo, cuya estructura habitual es recitativo-aria da capo. El equivalente en la música para instrumentos de teclado es la toccata.

El Barroco fue una época de esplendor de muchos instrumentos, como el violín, el clavecín y el órgano, cultivándose intensamente la música de cámara para grupos instrumentales con acompañamiento de bajo continuo.

Otra característica del barroco es la aparición del virtuosismo tanto en los compositores como en los intérpretes. Aparecen los primeros manuales de estudio para el perfeccionamiento técnico de la velocidad y del desarrollo del sonido.